Handwerk als Ausdruck von Identität und Authentizität

Im Kern dieses Trends steht das Bedürfnis vieler Künstler, sich mit ihrer kulturellen Herkunft oder handwerklichen Traditionen zu verbinden. Dabei wird das Handwerk oft als Mittel gesehen, um eine tiefere Beziehung zu Materialien und Prozessen aufzubauen. Wo moderne Kunst sich oft durch das Konzept oder die Idee definiert, betont das Handwerk den physischen Akt des Machens. Diese manuelle Arbeit, das Greifen, Formen und Bearbeiten von Materialien, gibt dem Kunstwerk eine einzigartige und authentische Handschrift. Für viele Künstler, die sich in einem Zeitalter der Massenproduktion behaupten müssen, ist dies ein Weg, um sich von der industriellen und digitalen Ästhetik abzugrenzen.

Das Bedürfnis nach Beständigkeit in einer sich verändernden Welt

Ein weiteres Motiv für die Renaissance des Handwerks in der Kunst ist das Bedürfnis nach Beständigkeit und Kontinuität. In einer Welt, die durch ständige technologische und soziale Veränderungen geprägt ist, suchen viele Menschen nach Ankern in der Vergangenheit. Traditionelle Handwerkskünste wie Töpferei oder Textilherstellung bieten genau dies: Techniken, die sich über Jahrhunderte entwickelt haben und tief in den Kulturen der Menschen verwurzelt sind. Indem sie diese Techniken aufgreifen und mit modernen Themen und Materialien kombinieren, schaffen Künstler eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart, die sowohl ästhetisch ansprechend als auch symbolisch aufgeladen ist.

Nachhaltigkeit als Schlüsselbegriff der modernen Kunst

Im Kontext der Kunst von heute hat Nachhaltigkeit eine zentrale Bedeutung erlangt. Viele Künstler, die sich dem Handwerk zuwenden, tun dies auch aus einer ökologischen Überzeugung heraus. Sie lehnen industrielle Herstellungsprozesse ab, die auf billige Massenproduktion setzen und Ressourcen verschwenden. Stattdessen setzen sie auf nachhaltige Materialien und Prozesse, die im Einklang mit der Natur stehen. Dies gilt besonders für Künstler, die mit Naturmaterialien wie Holz, Ton oder natürlichen Farbstoffen arbeiten. Durch die bewusste Auswahl und Verarbeitung dieser Materialien wird die Kunst nicht nur zu einem ästhetischen, sondern auch zu einem ethischen Statement.

Handwerkskunst als Protest gegen die Digitalisierung

Die zunehmende Digitalisierung hat in den letzten Jahrzehnten fast alle Lebensbereiche durchdrungen, und auch die Kunstwelt ist davon nicht unberührt geblieben. Digitale Werkzeuge und Technologien haben viele kreative Prozesse revolutioniert. Doch nicht alle Künstler sehen diese Entwicklung positiv. Für einige stellt die Rückkehr zum Handwerk eine bewusste Opposition zur digitalen Kultur dar. Sie lehnen die Automatisierung und Virtualisierung von Kunst ab und setzen stattdessen auf die unmittelbare, körperliche Erfahrung, die das Handwerk bietet. Diese Form des Protests ist jedoch nicht reaktionär, sondern kreativ: Sie zeigt neue Wege auf, wie Kunst in einer digitalisierten Welt entstehen kann, ohne sich den technologischen Zwängen zu unterwerfen.

Soziale und politische Botschaften durch das Handwerk

Die Rückkehr zum Handwerk ist jedoch nicht nur ein ästhetischer oder technischer Trend. Viele Künstler nutzen handwerkliche Techniken, um soziale und politische Botschaften zu transportieren. Gerade in postkolonialen Kontexten spielt das Handwerk eine wichtige Rolle, da es oft als Symbol für kulturelle Identität und Widerstand gegen die westliche Dominanz gesehen wird. Indigene Künstler und Künstler aus ehemaligen Kolonien nutzen traditionelle Techniken, um ihre eigenen Geschichten und Perspektiven zu erzählen. In dieser Verbindung von Handwerk und politischer Aussagekraft zeigt sich, wie mächtig traditionelle Techniken sein können, wenn sie in einen neuen, kritischen Kontext gestellt werden.

Die Bedeutung des Handwerks in der Kunstgeschichte

Das Handwerk war schon immer ein integraler Bestandteil der Kunstgeschichte. In der Antike und im Mittelalter wurden viele Kunstwerke, die wir heute bewundern, durch handwerkliche Techniken geschaffen. Damals gab es keine klare Trennung zwischen Kunst und Handwerk. Künstler galten in erster Linie als Handwerker, deren Fähigkeiten in der meisterhaften Beherrschung von Techniken und Materialien lagen. Diese handwerklichen Fertigkeiten wurden über Generationen hinweg weitergegeben, oft in strikten Gildenstrukturen, die dafür sorgten, dass das Wissen nur an ausgewählte Mitglieder weitergegeben wurde.

Die Rolle der Werkstatt in der Kunst der Renaissance

Besonders in der Renaissance erlebte das Handwerk einen Höhepunkt. Viele große Meister dieser Epoche, wie Leonardo da Vinci oder Michelangelo, betrieben ihre eigenen Werkstätten, in denen sie Lehrlinge ausbildeten. In diesen Werkstätten wurden komplexe Kunstwerke geschaffen, die auf einer engen Zusammenarbeit zwischen dem Meister und seinen Lehrlingen beruhten. Obwohl wir heute oft nur die großen Namen mit diesen Kunstwerken verbinden, war ihre Entstehung ein kollektiver Prozess, in dem das handwerkliche Können eine zentrale Rolle spielte. Die Meister der Renaissance waren nicht nur Künstler im modernen Sinne, sondern auch versierte Handwerker, die ihre Techniken bis zur Perfektion beherrschten.

Der Bruch zwischen Kunst und Handwerk in der Moderne

Mit dem Aufkommen der Moderne im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert begann sich das Verhältnis zwischen Kunst und Handwerk zu verändern. Die industrielle Revolution brachte eine zunehmende Automatisierung und Standardisierung der Produktion mit sich, was auch die Kunstwelt beeinflusste. Viele Künstler begannen, sich von handwerklichen Techniken zu distanzieren und legten stattdessen den Fokus auf Konzepte und Ideen. Besonders die Avantgarde-Bewegungen wie Dadaismus und Surrealismus betonten die intellektuelle und konzeptionelle Dimension der Kunst und lehnten traditionelle handwerkliche Fertigkeiten oft bewusst ab. Künstler wie Marcel Duchamp stellten die Frage, ob Kunst überhaupt handwerkliche Fähigkeiten erfordert, oder ob sie nicht vielmehr eine Frage der Idee und des Konzepts ist.

Das Arts-and-Crafts Movement und die Wiederentdeckung des Handwerks

Parallel zu diesen Entwicklungen entstand jedoch auch eine Gegenbewegung, die das Handwerk als essenziellen Bestandteil der Kunst rehabilitieren wollte. Eine der wichtigsten Bewegungen in diesem Zusammenhang war das Arts-and-Crafts Movement in Großbritannien im späten 19. Jahrhundert. Diese Bewegung, angeführt von Künstlern und Designern wie William Morris, setzte sich für die Rückkehr zu handwerklichen Techniken und die Wertschätzung von handgefertigten Objekten ein. Die Arts-and-Crafts-Bewegung entstand als Reaktion auf die negativen Auswirkungen der industriellen Revolution, insbesondere auf die Entfremdung des Arbeiters von seinem Werk. Sie forderte eine Wiederverbindung von Kunst und Handwerk und betonte die Bedeutung von Qualität und Authentizität in der Produktion.

Handwerkskunst als Gegenentwurf zur industriellen Massenproduktion

Das Arts-and-Crafts Movement hatte weitreichende Auswirkungen auf die Kunstwelt und prägte auch viele moderne Künstler. Besonders in der heutigen Zeit, in der Massenproduktion und Konsumismus allgegenwärtig sind, hat das Handwerk als Gegenentwurf zu diesen Entwicklungen an Bedeutung gewonnen. Künstler, die sich auf traditionelle handwerkliche Techniken besinnen, tun dies oft aus einer bewussten Entscheidung heraus, um sich gegen die Anonymität und Austauschbarkeit der industriell hergestellten Produkte zu stellen. In einer Welt, in der alles digital reproduzierbar scheint, ist das handgefertigte Kunstwerk ein Unikat, das den persönlichen Einsatz des Künstlers spürbar macht.

Die Kunsthandwerkstraditionen in verschiedenen Kulturen

Traditionelle Handwerkskünste haben in vielen Kulturen eine lange und reiche Geschichte. In Japan zum Beispiel gibt es eine tiefe Wertschätzung für handwerkliche Perfektion, die sich in der Kunst des Keramikhandwerks oder der Schwertschmiedekunst widerspiegelt. Diese Traditionen sind eng mit dem Konzept des Wabi-Sabi verbunden, das die Schönheit des Unvollkommenen und Vergänglichen betont. In Afrika haben handwerkliche Techniken wie Schnitzerei und Textilkunst eine tief verwurzelte kulturelle Bedeutung, die oft mit rituellen oder spirituellen Praktiken verbunden ist. Diese handwerklichen Traditionen haben in vielen nicht-westlichen Kulturen überlebt und spielen auch in der zeitgenössischen Kunst eine wichtige Rolle, indem sie eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart schlagen.

Zeitgenössische Künstler und die Renaissance des Handwerks

In der zeitgenössischen Kunst hat die Wiederentdeckung des Handwerks zu einer Renaissance traditioneller Techniken geführt. Viele Künstler haben begonnen, handwerkliche Praktiken wie Weben, Töpferei oder Holzschnitzerei in ihre Arbeiten zu integrieren und dabei eine Brücke zwischen alten Techniken und modernen Themen zu schlagen. Einer der bekanntesten Künstler, der für diese Rückbesinnung auf das Handwerk steht, ist der japanische Keramikkünstler Takuro Kuwata. Kuwata verwendet altehrwürdige japanische Techniken, um hypermoderne, oft farbenfrohe und skulpturale Keramiken zu schaffen, die die Grenze zwischen traditionellem Kunsthandwerk und zeitgenössischer Skulptur verwischen.

Die Bedeutung von Textilkunst in der zeitgenössischen Kunst

Auch Textilkunst hat in den letzten Jahren eine bemerkenswerte Wiederbelebung erfahren. Künstler wie Sheila Hicks oder Anni Albers haben gezeigt, wie handwerkliche Textiltechniken wie Weben, Knüpfen und Sticken in der bildenden Kunst eingesetzt werden können, um tiefgründige und oft auch politische Werke zu schaffen. Textilien haben in vielen Kulturen eine besondere Bedeutung und dienen nicht nur als funktionale Objekte, sondern auch als Ausdruck von Identität und kulturellem Erbe. In der zeitgenössischen Kunst wird diese Symbolik oft genutzt, um Themen wie Feminismus, Kolonialismus oder soziale Ungleichheit zu behandeln.

Handwerk und Identität: Die persönliche Handschrift des Künstlers

Für viele Künstler ist die Rückkehr zum Handwerk auch eine Möglichkeit, ihre persönliche Handschrift zu entwickeln. In der modernen Kunst, wo die Idee oft im Vordergrund steht und die Ausführung durch industrielle oder digitale Prozesse erfolgen kann, bieten handwerkliche Techniken die Möglichkeit, eine direkte Verbindung zwischen dem Künstler und dem Werk zu schaffen. Dies führt zu Werken, die durch ihre Unvollkommenheit und die sichtbaren Spuren des Herstellungsprozesses eine besondere Authentizität ausstrahlen. Diese direkte, körperliche Auseinandersetzung mit dem Material gibt den Arbeiten eine Tiefe, die oft in konzeptioneller oder digitaler Kunst fehlt.

Handwerk als Form des kulturellen Widerstands

Die Wiederentdeckung des Handwerks in der Kunst geht oft Hand in Hand mit einer kritischen Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen und kulturellen Themen. Besonders in postkolonialen Kontexten spielt das Handwerk eine wichtige Rolle, da es häufig als Symbol für kulturelle Identität und Widerstand gegen die Kolonialisierung gesehen wird. Künstler aus ehemals kolonisierten Ländern nutzen traditionelle Handwerkstechniken, um ihre eigene Geschichte zu erzählen und die westlich geprägte Kunstwelt herauszufordern. Ein Beispiel hierfür ist die Arbeit der ghanaischen Künstlerin El Anatsui, die aus recycelten Materialien großformatige Textilskulpturen schafft, die sowohl auf die traditionelle Textilkunst Westafrikas als auch auf globale Themen wie Umweltverschmutzung und Konsumismus verweisen.

Nachhaltige Materialien und ökologische Verantwortung

Viele Künstler, die sich dem Handwerk zuwenden, tun dies auch aus einem ökologischen Bewusstsein heraus. In einer Zeit, in der Umweltfragen immer drängender werden, setzen sie auf nachhaltige Materialien und Techniken, die im Einklang mit der Natur stehen. Handwerkskunst ermöglicht es ihnen, ressourcenschonend zu arbeiten und alternative Produktionsprozesse zu entwickeln, die im Gegensatz zur oft verschwenderischen industriellen Massenproduktion stehen. Ein Beispiel ist die Arbeit des deutschen Künstlers Olafur Eliasson, der in seinen Installationen häufig Naturmaterialien wie Eis, Wasser und Pflanzen verwendet und dabei handwerkliche Techniken einsetzt, um eine tiefe Verbindung zwischen Kunst und Natur herzustellen.

Die Rolle des Handwerks in der feministischen Kunst

Ein weiteres spannendes Feld, in dem das Handwerk in der zeitgenössischen Kunst eine wichtige Rolle spielt, ist der Feminismus. Traditionell wurden viele handwerkliche Tätigkeiten wie Nähen, Stricken oder Sticken als „weibliche“ Arbeiten abgewertet und aus dem Kanon der „hohen“ Kunst ausgeschlossen. In den letzten Jahrzehnten haben feministische Künstlerinnen diese Techniken jedoch bewusst aufgegriffen, um genau diesen Status quo herauszufordern. Künstlerinnen wie Judy Chicago oder Louise Bourgeois haben gezeigt, dass handwerkliche Techniken nicht nur künstlerisch wertvoll, sondern auch als Mittel der Selbstermächtigung und des Protests dienen können. Indem sie traditionelle „Frauenarbeiten“ in die Kunstwelt integrieren, brechen sie mit den Geschlechterstereotypen und stellen die Frage, wer definiert, was Kunst ist.

Traditionelle Techniken und moderne Materialien: Eine neue Fusion

Moderne Künstler, die sich traditionellen Handwerkskünsten widmen, haben die alten Techniken oft durch den Einsatz zeitgenössischer Materialien erweitert. Diese Kombination aus Tradition und Innovation hat zu faszinierenden Werken geführt, die sowohl die Geschichte des Handwerks als auch die Möglichkeiten der modernen Kunst feiern. Ein gutes Beispiel hierfür ist die Arbeit der deutschen Künstlerin Gunta Stölzl, die während ihrer Zeit am Bauhaus Webtechniken mit industriellen Materialien kombinierte. Stölzl schuf Textilien, die sowohl funktional als auch ästhetisch ansprechend waren und eine neue Richtung für die Textilkunst einschlugen. Die Künstler des Bauhauses erkannten die kreative Kraft des Handwerks und setzten darauf, traditionelle Techniken mit modernen Designs und Materialien zu verbinden.

Die Rolle der Technologie im modernen Handwerk

Auch wenn das Handwerk eine manuelle, händische Arbeit ist, nutzen viele zeitgenössische Künstler heute Technologien, um traditionelle Techniken zu erweitern. Besonders in der Keramikkunst, Bildhauerei oder Metallbearbeitung kommen moderne Maschinen wie 3D-Drucker oder CNC-Fräsen zum Einsatz. Diese Technologien erlauben eine Präzision und Geschwindigkeit, die manuell nicht erreichbar wären. Künstler wie Ai Weiwei, der traditionelle chinesische Keramiktechniken mit moderner digitaler Technologie kombiniert, zeigen, wie Technologie und Handwerk Hand in Hand gehen können. Dabei entsteht eine Symbiose, die sowohl die alten Techniken ehrt als auch die technologischen Möglichkeiten der Gegenwart nutzt.

Handwerk als Brücke zwischen Design und Kunst

Ein faszinierender Aspekt der Rückkehr zum Handwerk ist die zunehmende Verwischung der Grenzen zwischen Kunst und Design. Traditionell wurde Kunst als Ausdruck der Kreativität angesehen, während Design einen funktionalen Zweck hatte. Doch in der zeitgenössischen Kunst verschwinden diese Trennlinien zunehmend. Viele handwerklich arbeitende Künstler schaffen Objekte, die sowohl ästhetischen als auch praktischen Zwecken dienen. Ein Beispiel hierfür ist der amerikanische Designer und Künstler Isamu Noguchi, der Skulpturen schuf, die gleichzeitig als Möbelstücke genutzt werden konnten. Seine ikonischen Lampen aus Reispapier und Holz, die traditionelle japanische Handwerkskunst widerspiegeln, sind nicht nur funktional, sondern auch Kunstwerke, die in Museen ausgestellt werden.

Die Rückkehr der handgefertigten Möbel und Designobjekte

Handwerkskunst hat auch im Designbereich ein Comeback erlebt. Besonders im Möbel- und Produktdesign wird wieder auf handgefertigte, oft maßgeschneiderte Stücke gesetzt, die sich bewusst von den standardisierten Massenprodukten abheben. Diese Möbelstücke sind nicht nur ästhetisch ansprechend, sondern auch Ausdruck einer Rückbesinnung auf Qualität und Langlebigkeit. Hersteller wie der dänische Designer Hans J. Wegner, der für seine meisterhaft gefertigten Stühle bekannt ist, haben gezeigt, dass Handwerkskunst nicht nur eine nostalgische Angelegenheit ist, sondern auch in der modernen Designwelt ihren Platz hat. Wegners ikonische Entwürfe sind bis heute gefragt und symbolisieren die perfekte Fusion aus Tradition und Innovation.

Handwerk und Nachhaltigkeit in der Architektur

Die Architektur hat ebenfalls von der Wiederentdeckung handwerklicher Techniken profitiert. Besonders im Bereich des nachhaltigen Bauens werden traditionelle Bauweisen wiederentdeckt, die im Einklang mit der Natur stehen und auf lokale Ressourcen zurückgreifen. In vielen Teilen der Welt werden traditionelle Baumaterialien wie Lehm, Holz oder Naturstein wieder vermehrt verwendet, um umweltfreundliche und energieeffiziente Gebäude zu schaffen. Diese Rückkehr zu handwerklichen Bauweisen ist nicht nur ökologisch sinnvoll, sondern auch ästhetisch ansprechend. Architekten wie Kengo Kuma, der traditionelle japanische Handwerkskunst in seine Entwürfe integriert, zeigen, wie nachhaltige Architektur durch die Kombination von altem Wissen und modernen Technologien neue Wege einschlagen kann.

Handwerk als kulturelles und soziales Statement

In einer Welt, die von schneller Produktion und Wegwerfmentalität geprägt ist, wird das Handwerk zunehmend zu einem kulturellen und sozialen Statement. Künstler nutzen handwerkliche Techniken, um gegen den Konsumismus und die Entfremdung des Einzelnen von den Produktionsprozessen zu protestieren. Das Handwerk wird in diesem Kontext zu einer bewussten Entscheidung, die auf Langsamkeit, Qualität und Nachhaltigkeit setzt. Die Verbindung zwischen Künstler und Material wird als ein Akt der Wertschätzung und der Geduld verstanden. Werke, die durch aufwendige handwerkliche Techniken entstehen, symbolisieren den Widerstand gegen die Massenproduktion und stellen gleichzeitig die Bedeutung von Individualität und menschlicher Kreativität in den Vordergrund.

Handwerk und die Verbindung zur Natur

Viele Künstler, die sich dem Handwerk zuwenden, tun dies aus einem tiefen Bedürfnis nach einer engeren Verbindung zur Natur. In einer zunehmend urbanisierten und technologisierten Welt suchen sie nach Wegen, um mit natürlichen Materialien zu arbeiten und traditionelle Techniken zu nutzen, die im Einklang mit der Umwelt stehen. Die Arbeit mit natürlichen Rohstoffen wie Holz, Ton oder Textilien ist oft mit einem Bewusstsein für die Nachhaltigkeit verbunden, das sich auch in den ästhetischen Entscheidungen der Künstler widerspiegelt. Diese Werke strahlen nicht nur eine besondere Ruhe und Natürlichkeit aus, sondern setzen auch ein starkes Zeichen für die Bedeutung des Umweltschutzes in der Kunstwelt.

Handwerkskunst in der globalen Kunstszene

Die Rückkehr des Handwerks in die moderne Kunst ist nicht auf bestimmte Regionen oder Kulturen beschränkt. Sie ist ein globales Phänomen, das in verschiedenen Teilen der Welt unterschiedliche Ausprägungen findet. Während in westlichen Kunstkreisen die Rückbesinnung auf traditionelle Handwerkskünste oft als Reaktion auf die Industrialisierung und den Konsumismus verstanden wird, spielen in anderen Teilen der Welt kulturelle und historische Faktoren eine entscheidende Rolle. In Ländern wie Indien, Mexiko oder Peru haben traditionelle Handwerkstechniken nie ihren Platz in der Kunstwelt verloren und werden bis heute von Generation zu Generation weitergegeben. Diese Techniken finden nun auch in der internationalen Kunstszene Anerkennung und Wertschätzung.

Die Zukunft des Handwerks in der Kunst

Der Trend zur Rückkehr des Handwerks in die Kunst zeigt keine Anzeichen einer Abschwächung. Im Gegenteil, immer mehr Künstler entdecken die Bedeutung traditioneller Techniken und Materialien für ihre Arbeit und setzen auf Handarbeit als Kontrapunkt zur digitalen und industriellen Produktion. Gleichzeitig entwickelt sich das Handwerk weiter und passt sich den Anforderungen und Möglichkeiten der modernen Welt an. Die Integration neuer Technologien, wie 3D-Druck oder Laserschnitt, in traditionelle Handwerkstechniken eröffnet völlig neue Perspektiven für die Kunst. Diese Kombination von Alt und Neu wird voraussichtlich in den kommenden Jahren noch intensiver erforscht und weiterentwickelt werden.

Handwerk als Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft

Schließlich zeigt die Renaissance des Handwerks, wie Kunst eine Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft schlagen kann. Indem Künstler auf traditionelle Techniken zurückgreifen und diese mit modernen Themen und Technologien kombinieren, schaffen sie Werke, die sowohl kulturelle Wurzeln respektieren als auch in die Zukunft weisen. Diese Verbindung zwischen handwerklicher Tradition und zeitgenössischer Kunst ist nicht nur ästhetisch ansprechend, sondern auch ein Zeichen für die Widerstandsfähigkeit und Flexibilität des Handwerks, das sich immer wieder neu erfindet. Kunst, die auf handwerklichen Techniken basiert, wird daher auch in den kommenden Jahrzehnten eine wichtige Rolle spielen und sowohl Künstler als auch Betrachter inspirieren.

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Der Keilrahmen

Ein klassisches Gemälde wird auf Leinwand gemalt, die auf einen Keilrahmen gespannt ist. Das hat sich in den letzten Jahrhunderten kaum verändert und auch der Druck von Fotos ist heute auf Leinwände möglich. Ein solcher Keilrahmen und die Leinwand haben einige Nachteile. Das verwendete Holz ist leicht und dünn. Speziell bei großen Bildern, die entsprechend schwer sind, sind die dünnen Leisten nur bedingt dazu geeignet, das Bild an der Wand zu befestigen. Bei schweren Leinwänden könnten sie verbiegen, oder sogar brechen. Die Leinwand selbst ist empfindlich gegenüber Beschädigungen. Stößt man gegen das Bild, kann leicht ein Loch entstehen. Die Leinwand kann einreißen, oder an den Kanten abgeschlagen werden. In vielen Fällen ist die Leinwand nur auf der Oberseite bemalt. Die Seitenkanten sind dann im besten Fall weiß. Häufig finden sich hier aber Farbreste und unschöne Tropfen. Es kann auch sein, dass das Leinen keine saubere Kante hat und Fäden hervorstehen.

Kunstformen

Aber nicht jeder Künstler bemalt Leinwände. Radierungen, Aquarelle, Drucke und einfache Zeichnungen werden auf Papier gefertigt. Heute werden die meisten Motive nicht mehr gemalt, sondern fotografiert. Lässt man das Foto ausdrucken, erhält man im Regelfall bedrucktes Papier. Zwar kann man Fotos heute auf fast alles drucken lassen, das Fotopapier ist aber nach wie vor das am weitesten verbreitete. Kunstwerke auf Papier lassen sich ohne Rahmen kaum ausstellen. Man kann sich nicht, ohne sie zu beschädigen, an der Wand befestigen. Man sortiert sie also entweder in einer Mappe, die man durchblättert, um sie zu betrachten, oder steckt sie in einen Rahmen, um sie an die Wand zu hängen, oder am Kaminsims, oder der Kommode abzustellen.

Form und Funktion

Ein Bilderrahmen hat im Wesentlichen zwei praktische Aufgaben. Er soll das Bild vor Beschädigungen schützen und eine Möglichkeit bieten, es an der Wand zu befestigen, oder es aufzustellen. Das ist bei Leinwänden nicht unbedingt notwendig, aber die Gefahr eine wertvolle Leinwand zu beschädigen, ist natürlich immer gegeben. Auf der Rückseite findet sich am Bilderrahmen eine Vorrichtung, um ihn an der Wand aufzuhängen, oder eine Stütze, um das Bild, leicht geneigt, aufzustellen. Neben den praktischen Funktionen des Bilderrahmens hat er aber noch eine sehr wichtige Aufgabe. Er verändert die Wahrnehmung des Bildes massiv. Durch die Abgrenzung von der Umwelt und den Kontrast zum Motiv schafft er eine eigene Welt, in der das Bild wirken kann.

Starke Farben

Waren vor ein paar Jahrzehnten noch ausgeprägte und farbenfrohe Muster auf Tapeten das bevorzugte Wanddesign, so mag man es heute schlicht. Wer sich für den 70er-Style entscheidet und quietschgelbe und orange gemischte Muster auf der Wohnzimmertapete bevorzugt, muss auch entsprechende Bilderrahmen verwenden. Das schlichte Weiß heutiger Wände reduziert die Anforderung an den Bilderrahmen deutlich. Trotzdem ist nicht immer der Rahmenlose Bilderhalter mit Antireflexionsglas die erste Wahl. Ein dezenter einfarbiger Rahmen lässt ein Bild wesentlich besser wirken, als der nahtlose Übergang zur Wand. Anders als früher werden die Rahmen auch deutlich größer gewählt, als das Bild selbst. Ein Bilderrahmen 30×40 cm passt ideal für ein Foto im Format 13×18 cm. Das Bild wird hinter ein Passepartout gelegt. Hochwertige Passepartouts sind aus dünnem Karton gefertigt und der Ausschnitte für das Bild ist leicht abgeschrägt. Rahmen und Passepartout zusammen schaffen einen ruhigen Bereich rund um das Bild. Nichts lenkt das Auge ab, wenn man das Bild betrachtet.

Glatte Wände

Ideal wirken Bilder dann, wenn man sich in ihnen verlieren kann. Ein Bildausschnitt von 13×18 cm ist viel zu klein, um das gesamte Sichtfeld auszufüllen. Allerdings blenden wir sehr viel von dem, was wir sehen aus. Unser Gehirn schützt uns vor einem Großteil der Reize, die ständig wahrgenommen werden. Konzentriert man sich auf ein kleines Bild, dann verschwindet alles rundherum und wir nehmen nur das Bild wahr. Einfacher ist es, wenn sich im unmittelbaren Umfeld des Bildes keine Reize befinden. Keine bunten Farben, aber auch keine Unebenheiten in der Wand, oder Reflexionen. Ein guter Bilderrahmen sorgt genau dafür. Das Bild wird glatt hinter einer nicht reflektierenden Glasscheibe präsentiert. Rund um das Bild findet sich eine Ruhezone, die schließlich vom Rahmen begrenzt wird. Vergleicht man ein so präsentiertes Bild mit einem Bild, das in einem passenden rahmenlosen Bilderhalter, wird der Unterschied sofort klar. Der Fokus wird auf das Bild gelenkt. Das einfarbige Passepartout und der schlichte Rahmen heben die Farben des Bildes hervor. Für Drucke, also Fotos, aber auch Poster und Kunstdrucke ist ein Rahmen mit Passepartout ideal.

Schattenfugenrahmen

Moderne Kunst beinhaltet häufig auch die Kanten der Leinwand. Sie ist dazu gedacht, als Leinwand betrachtet zu werden. Auch wenn es die Intention des Künstlers ist, die Leinwand ganzheitlich zu präsentieren und sich nicht nur auf die Vorderseite zu konzentrieren, kann ein Bilderrahmen ein solches Bild ebenfalls aufwerten. Ein Schattenfugenrahmen ist hier die beste Rahmenform. Man kann sich einen solchen Rahmen vorstellen, wie beispielsweise den Deckel eines Schuhkartons. Ein schmaler Rahmen, der senkrecht nach oben steht, wenn man den Rahmen auf den Boden legt. Der Schattenfugenrahmen ist etwas größer als die Leinwand und hat damit rundherum den selben Abstand. Zwischen Bild und Rahmen entsteht ein Spalt, der vom Rahmen beendet wird. Ein solcher Rahmen sorgt nicht nur dafür, dass das präsentierte Bild durch den Kontrast zum meist dunklen Rahmen, kräftiger wirkt, sondern glättet auch die Kanten. Während die Leinwand meistens leichte Unregelmäßigkeiten aufweist, ist der Schattenfugenrahmen gerade und symmetrisch. Das macht es viel leichter, mehrerer Leinwände nebeneinander zu präsentieren.

Ist ein Bilderrahmen nötig

Ein Bilderrahmen spielt heute unverändert eine wichtige Rolle bei der Präsentation von Bildern. Ausgedruckte Fotos und Kunstdrucke werden durch die Glasscheibe geschützt. Das Passepartout und der Rahmen trennen das Bild optisch von der Umgebung ab und entfernen störende Einflüsse. Die Bilder wirken gerahmt wertiger und edler, als ohne Rahmen. Auch Leinwände lassen sich heute zeitgemäß rahmen. Schattenfugenrahmen, aber auch schlichte konventionelle Rahmen sind ideal, um eine modern eingerichtete Wohnung zu ergänzen. Nicht umsonst finden sich Bilderrahmen in vielen Sprichwörtern wieder. Will man seine Bilder also im richtigen Rahmen präsentieren, dann darf ein Bilderrahmen auf keinen Fall fehlen!

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Großstadtflair

Jede große Stadt hat eine ganz eigene Ausstrahlung. Markante Punkte und bekannte Bilder sorgen für die Wahrnehmung von Außen. Das Brandenburher Tor und der Bundestag sind weit über die Stadtgrenzen hinaus bekannt. Aber das allein ist nicht Berlin. Zumindest der kleine Ausschnitt, den man von Postkarten, oder Touristenbildern kennt. Betrachtet man das Brandenburger Tor von oben, dann zeigt sich allerings schon besser, was für Berlin als Wohnort spricht. Zumindest einige der Argumente finden sich auf der Satellitenaufnahme wieder.

Warum nach Berlin ziehen

Oft ist es der Job, der einen Umzug bedingt. Auch ein Studium ist in vielen Fällen der Grund dafür. Die Auswahl an Wohnorten ist so groß, wie die Welt. Dabei gilt es die Vor- und Nachteile der Möglichkeiten genau abzuwägen. Geht es im Berlin, finden sich eine Reihe von Vorteilen, die diese Stadt bietet. Lässt man sich darauf ein und fügt sich in die Gegebenheiten, dann kann man als Berliner sehr gut leben. Versucht man der Stadt seinen Willen aufzuzwingen, dann kann es sein, dass sie sich wehrt.

Verkehr

Ein Punkt, der alle großen Städte betrifft, ist der Verkehr. Rund um Berlin bildet die A10 den größten Autobahnring der Welt. 196 Kilometer misst eine Runde um die Bundeshauptstadt. In der Stadt gibt es die A100, die den Stadtring bildet, sowie die A111, A113 und A115. Wie in jeder großen Stadt gibt es zahlreiche Pendler. Entscheidet man sich dafür, im Umland zu leben und in Berlin zu arbeiten, dann bedeutet das, dass man morgens nach Berlin und abends wieder herausfahren muss. Ein gut ausgebautes Park + Ride System ermöglicht es, die Autos bei den Stadteinfahrten abzustellen. Trotzdem gibt es zahlreiche Fahrzeuge in der Stadt. Gut, dass man als Bewohner von Berlin kein Auto benötigt.

Öffentliche Verkehrsmittel

Zehn U-Bahn-Linien, 22 Straßenbahn-Linien und 154 Buslinien fahren für die Berliner Verkehrsbetriebe BVG. Seit 2006 fahren die U-Bahnen auch Nachts und zahlreiche Straßenbahn- und Buslinien werden ebenfalls rund um die Uhr geführt. Außerdem gibt es eigene Nachtbuslinien. Man kommt also Tag und Nacht bequem und ohne Auto durch Berlin. Günstige Ticketabos ermöglichen eine preiswerte Nutzung der gut ausgebauten Infrastruktur. Zusammen mit der S-Bahn und der Regionalbahn bilden die BVG den Tarifverbund VBB. Damit wird das Angebot an öffentlichen Verkehrsmitteln noch ergänzt.

Parks und Grünflächen

Denkt man an eine Großstadt, dann hat man meist ganz automatisch hohe graue Betonbauten im Kopf. Berlin hat allerdings viel alte Bausubstanz. Auch grau ist es in der Stadt nicht überall. Etwa 2.500 öffentlichen Grünanlagen mit einer Gesamtfläche von rund 6.500 Hektar stehen den Berlinern zur Verfügung. Damit sind mehr als 7 Prozent von Berlin begrünt und dienen der Erholung.

Wasser

Aber nicht nur die Grünflächen prägen das Stadtbild. In Berlin gibt es sehr viel Wasser. Die drei Flüsse Spree, Dahme und Havel haben innerhalb der Stadt eine Gesamtlänge von 89 Kilometern. Dazu kommen weitere rund 140 Kilometer Kanäle und Gräben. Mehr als 600 Brücken gibt es in Berlin. Die Fläche der Stadt ist zu 6,6 Prozent von Wasser bedeckt. Neben den Fließgewässern bieten zahlreiche Seen Raum für Erholung. In großen Seen, wie dem Großen Müggelsee kann im Sommer auch gebadet werden. Insgesamt listet Wikipedia 79 Seen in Berlin auf.

Wohnen

Wie in jeder großen Stadt lebt man in Berlin in Wohnungen. Je nach Bezirk, Stadtteil und Kietz gibt es unterschiedliche Gegebenheiten vor Ort. Die einzelnen Wohngebiete haben ihren eigenen Charme und auch eine unterschiedliche Bausubstanz. Zusammen mit den Mietpreisen ergibt sich aus diesen Parametern die Zusammensetzung der Bevölkerung. Jungfamilien, oder Studenten-WGs sind da und dort häufiger. Ein Umzug in Berlin ist keine Seltenheit. Der Wohnraum ist da und dort knapp, aber nicht nur die zahlreichen Bauprojekte sorgen für eine hohe Dynamik in der Bevölkerung. Starke Zuwanderung und die große Bevölkerung ist ständig in Bewegung.

Arbeitsmarkt

Neben der Lebensqualität, die Berlin insgesamt bietet, ist die Stadt auch ein guter Platz um zu Arbeiten. Zahlreiche Unternehmensstandorte und eine Arbeitslosenrate, die unter dem Bundesdurchschnitt liegt, sind gute Voraussetzungen. Die Anreise zum Arbeitsplatz in der Stadt kann kostengünstig mit den öffentlichen Verkehrsmitteln erfolgen. Damit spart man nicht nur Zeit, sondern auch Geld.

Gesundheitswesen

87 Krankenhäuser, 6.800 niedergelassene Ärzte und 1.600 Psychotherapeuten sorgen für die Gesundheit der Berliner. Allein in der Charité arbeiten mehr als 14.500 Menschen im Gesundheitswesen. Als eine der größten Universitätskliniken in Europa wird hier geforscht und Ärzte ausgebildet. Sollte man einmal krank werden ist man in Berlin in guten Händen.

Weltstadt

Berlin ist eine bunte Stadt. Menschen aus aller Welt entscheiden sich für ein Leben in der Deutschen Hauptstadt. Die Mischung macht sich aber nicht nur in der Bevölkerung bemerktbar. Auch das kulinarische Angebot ist multikulturell. Etwa 5.000 Restaurants bieten Essen aus aller Welt an.

Freizeitgestaltung

Berlin bietet aber auch für die Freizeitgestaltung viele Angebote. So gibt es eine aktive Clubszene und zahlreiche Nachtlokale. Museen, Theater und zwei Tierparks laden Besucher ein und kombinieren Freizeit mit Wissenstransfer und Kultur. Es gibt kaum etwas, das es in Berlin nicht gibt. Attraktive Angelplätze, zahlreiche Sportstätten und verschiedene Vereine ermöglichen eine Freizeitgestaltung, die für jeden das passende Angebot bietet. Nicht zuletzt kann man in Berlin viel über die Geschichte Deutschlands lernen. Auf den zahlreichen Flohmärkten kann man stöbern und an den Ufern der Kanäle und Gräben das Sonnenlicht genießen.

Berlin ist lebenswert

Auch wenn der Ruf, der vielen Großstädten vorauseilt, nicht gut ist, bietet Berlin eine beeindruckende Lebensqualität. Menschen aus aller Welt leben und arbeiten in der großen Stadt. Berlin ermöglicht ein individuelles Leben, bietet Möglichkeiten, die es in weniger dicht besiedelten Gegenden nicht gibt. Man findet leicht Anschluss und Gleichgesinnte. Berlin ist vielältig und bietet von ländlichen Gegenden bis zur dichten Großstadt verschiedene Atmosphären. Die zahlreichen Grünflächen, die vielen Gewässer und Brücken und nicht zuletzt die öffentlichen Verkehrsmittel sind starke Argumente für ein Leben in der größten deutschen Stadt.

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Die strenge, ländliche Umgebung in der Jacek Yerka aufwuchs, prägt noch heute seine Werke, welche allerdings auch in extrem hohem Maße von seinen eigenen Träumen und seiner skurrilen und doch großartigen Vorstellungskraft zeugen. Zu seinen Bildern und auch zu seinen Arbeitstechniken inspirierten Jacek Yerka Künstler wie Hieronymus Bosch, Pieter Bruegel, Hugo van der Goes und Jan van Eyck, was für ein Kennerauge deutlich sichtbar ist. Auch kann man Vergleiche zu dem großen Surrealisten Salvador Dali ziehen, wenn man sich die wirren und einfallsreichen Welten in den Gemälden beider betrachtet.

Fantasy Science-Fiction ist vielleicht der treffendste Begriff, um die Werke von Jacek Yerka zu umschreiben. Seine Art zu malen ist zwar, wie ich bereits erwähnt hatte, sehr detailliert und realistisch, mit sorgfältig dargestellten Formen, Farbabstufungen und Schatten, die Inhalte seiner Bilder sind jedoch alles andere, nur nicht realistisch! Betrachtet man die Gemälde von Jacek Yerka, so taucht man automatisch in eine ganz andere, fremde, skurrile Fantasiewelt ein. Mir schießen sofort alle möglichen Fragen durch den Kopf wie: Ist die Welt überhaupt noch da, wenn ich die Augen schließe? Oder: Erleben andere Menschen die Realität genau so wie ich, oder hat jeder seine eigene Wirklichkeit? Probiert doch mal selbst aus, welche Fragen Jacek Yerka  bei Euch aufwirft.

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